18/6/10

OITICICA- Parangolés

Nildo da Mangueira viste Parangolé P15, Capa 11 "Icorporo a Revolta", 1967

Parangolé Capa 17,"Guevaluta" para José Celso,1966

Gerónimo da Mangueira, Antônio Manuel,Robertinho e Hélio Oiticica visten
Parangolés en Flamengo, Río de janeiro, 1965
Miro da mangueira viste Parangolé P4 Capa 1, 1964.
Proyecto parangolé, "Experimento momia, automomificación", 1967


Lilico da Mangueira viste Bólide Poema "Seu pelo meu:preparaçao para o carnaval", 1980


PARANGOLÉS de Hélio OITICICA


Todo comenzó con la formulación del PARANGOLÉ en 1964, con toda mi experiencia con el samba, con el descubrimiento de los morros, de la arquitectura orgánica de las favelas cariocas (y consecuentemente otras como las palafitas del Amazonas) y principalmente de las construcciones espontáneas, anónimas, en los grandes centros urbanos el arte de las calles, de las cosas inacabadas, los terrenos baldíos, etc.

ADENTRO / AFUERA

Helio Oiticica evolucionó de la superficie plana a la disolución del soporte tradicional en el propio cuerpo, influenciado por Piet Mondrian y Kasimir Malevich, Oiticica pasó del plano pictórico, a planos de 2 lados suspendidos del techo.

En 1965, llegó la CAPA PARANGOLÉ, una estructura de color vestida directamente sobre el cuerpo. Las relaciones entre los colores no serían más apenas contempladas pasivamente con los ojos pues, el color fue descubierto como una experiencia plus-sensorial, una experiencia “cinético-estética”. El color está presente en diferentes materiales táctiles, en telas y, con frecuencia, combinado con palabras poéticas.
Las Capas parangolé de Hélio, en su condición de declaraciones móviles/danzantes, poéticas o sociales funcionando como un tipo de placa hombre-sandwich, encuentran un paralelo en las estructuras móviles soviéticas de propaganda temporaria que incorporaban alto-parlantes, como las Klucis (1922).

Es importantes distinguir éstas búsquedas del BODY ART en la concepción de Hélio Oiticica y de Lygia Clark el cuerpo no podía ser visto como un “soporte”- preservando y ampliando, en otras palabras, la terminología del plano, de la superficie y del rectángulo. De acuerdo con Hélio, el parangolé “no es una cuestión del cuerpo como soporte de la obra. Al contrario, es una incorporación total. Es una incorporación del cuerpo a la obra y de la obra al cuerpo”.

LOS TRAPOS DE MENDIGO/ LAS TÚNICAS DEL REY

Algunas capas son muy simples, 1 es la llamada “Capa da liberdade”, casi 1 título portátil, 1 leyenda vestida.
Otros textos incorporados a las capas
“Estou possuído”
“Da adversidade vivemos…”
“Da tua pele/ brota a umidade da terra/ o gosto, o calor.”
“Incorpora a revolta” (1967), fue hecha en colaboración con Nildo sambista da Mangueira.

Waly Salomao, ecribió que la relación entre el espectador y la persona que viste el Parangolé no es frontal sino “oblicua y clandestina”
Los Parangolé se hacían con materiales reciclados procedentes de la basura, sobras de paño y tejidos baratos, con los cuales Hélio producía un esplendor sensual.

Fue en el CARNAVAL donde Oiticica descubrió la relación entre expresión colectiva e individua ignorando niveles abstractos y estratos sociales.
Este artista cuenta que se comenzó a sentir fuera de esquemas sociales, y encontrándose él mismo en una falta total de lugar social y al mismo tiempo descubrió su “lugar individual”.

LA BOLSA AMINIÓTICA / LA MORTAJA

En los Parangolé aparecen de forma misteriosa Nascimiento y Muerte.
La Capa es a la vez, la bolsa amniótica que contiene el cuerpo hasta su nascimiento y la mortaja que lo envuelve después de la muerte.
En 1967, realizó el proyecto Parangolé llamado Automomificación, donde las personas se envolvían en pedazos de paños de coloridos se acostaban en una cama y luego giraban en un piso cubierto de bolas de plástico y de goma, y de frutas artificiales.

En los PARANGOLÉS encontramos una Polarización entre LIBERTAD
y TRAMPA
un Parangolé es una membrana entre el cuerpo
y el sentido de la visión

que se construye una dialéctica de experiencias entre lo revelado
y lo velado

Recomendaciones ver
http://www.itaucultural.org.br/
programa helio oiticica


H.O. de Ivan Cardoso Parte 1
www.youtube.com
H.O. Experimental de Ivan Cardoso 1979 13 min Com Caetano Veloso, Carlinhos do Pandeiro, Ferreira Gullar, Helio Oiticica, Lygia Clark

H.O. de Ivan Cardoso Parte 2
www.youtube.com
H.O. Experimental de Ivan Cardoso 1979 13 min Com Caetano Veloso, Carlinhos do Pandeiro, Ferreira Gullar, Helio Oiticica, Lygia Clark, Nildo da Mangueira, Nininha, Waly Salomão

bibliografía

Introducción basada en palabras de Hélio Oiticica, capítulo : Tropicália del catálogo hélio oiticica penetráveis exposición realizada en el centro municipal de Arte Hélio Oiticica, Río de Janeiro-21 de dezembreo 2008 a 20 de junho de 2009.
Análisis sobre los Parangolés, basado en el capítulo: Feito no corpo: o Parangolé de Hélio Oiticica, del libro de Guy Brett:
Brasil Experimental: arte/vida: proposiçoes e paradoxos, Edit. Contra Capa, Río de Janeiro,2005.

16/6/10

BRIZUELA, Aníbal- expos





fotos de dibujos presentados en la galeríadelinfinito, dic./2009.


Anibal Brizuela fue el artista invitado por Fabiana Imola para presentar una serie de dibujos sobre papel en el espacio de la galeríadelinfinito, cuando ella presentara la muestra Sombra de Toro, en diciembre del 2010.
Brizuela construye su obra como un oráculo, elaborando mensajes para distintas personas, desde hace años es un paciente de la Colonia Psiquiátrica de Oliveros, un paciente no externable que habita en el hospital como en su casa. Realiza su producción con materiales descartables como patrones: tapas de frascos, palitos trabalenguas, y otros. Los diseños tienen una marcada simetría y distintas secuencias de elementos en una compleja composición. Aparecen señales, símbolos, cruces, armas, textos tales como FBI o Malvinas, en relación directa con su psicosis.
Imola lo descubrió hace muchos años por su numerosa producción, a la fecha ha participado de varias muestras y es su intención continuar exponiendo sus trabajos.




fotos de la participación de Brizuela en la muestra colectiva "La novela del dibujo" del Club del Dibujo, del 6 al 29 de noviembre de 2009 en el Centro Cultural Parque de España.

6/6/10

IMOLA, Fabiana-Sombra de toro












Muestra Sombra de Toro de Fabiana IMOLA en la galería delinfinitoarte, dic./2010, Bs.As. Arg.

Entramos a la galería, y en el centro se destacan una gran cantidad de ramas naturales, un volumen importante de 2 x 2 x 1,50 mts aprox., y en las 3 paredes laterales, 3 grandes obras de distinto recorrido de imágenes y técnico.

Hacia la izq. cubriendo la 1º pared, vemos 3 grandes figuras como islas recortadas en acero, con bordes q parecen fiordos, 2 dispuestas abajo horizontales y 1 mayor en diagonal. Esta última, como un vector marca una fuerza ascendente y casi se desplaza; formándose una geografía en movimiento. Y mientras estas tierras parecen alejarse, una serie de pequeñas diminutas formas, que podrían ser pájaros, sobrevuelan todo.
instalación de 20 piezas en acero inoxidable, corte láser.

Hacia la derecha 9 vidrios con unos dibujos de islas donde vemos algo así como un delta. La tierra en gris y los flujos de agua sin color, permiten mediante las transparencias que la obra se integre a la arquitectura.
Vidrio termotemplado con ploteo de corte de vinilo.

Avanzamos, y frente a nosotros, 3 tiras de papel verticales, ocupan la tercera pared que rodea las ramas. Aquí dibujos en tinta china de plantas, flores, ramas, hojas, líneas fuertes y líneas mínimas, sobre un soporte de papel claro y delicado, parecen quedar suspendidos en el aire. Sus formas nos dicen que se mueven con el sol, con un fototropismo que traspasa todo.
Una gran estampa a una gran escala, nos amplifica la Naturaleza, toma el espacio y parece no quedarse quieta.
Dibujo papel film poliéster tinta china aguada.

Y ahora, en 1 espacio aparte, un patio vidriado, 1 pedazo de un árbol llamado Sombra de Toro, con una base, un pie de una escultura, presentando la Naturaleza en el lugar del arte, un enroque de talla manual por talla natural, y la presencia del artista q hizo el recorte de su visón de todo y lo trajo hasta aquí.

En una pared más interna, una obra en acero que parece ser una enredadera.
En la parte superior las líneas dominan el espacio y en la parte inferior se separan de tal modo que arman una secuencia donde prevalecen los espacios en blanco. Una relación regulada entre el dibujo y el espacio.
Esta obra consolida su existencia en la suma de cruces de las ramas, e intenta apropiarse de los espacios vacíos, avanzando sobre los espacios agujereados.
Acero inoxidable, corte láser.






ENMARAÑADO

Cada punto importante en la escultura o los dibujos es un punto de reconstrucción de nuestra mirada, la trama enmarañada no puede menos que proliferar apoyándose en los referentes de nuestra memoria.
Pto. x pto. la vegetación salvaje de extiende más allá de la imagen representada.
Los fragmentos siempre se están expandiendo.
IMOLA plantea muy bien los cortes como lugares de entrada de nuestra visión a la obra. Desde una fuerte intuición orgánica y mediante, un gran despliegue de un proceso intelectual.
En cada uno de sus extremos la obra se precipita al vacío, tiene su fin matérico, pero entonces el espectador puede permitirse una visión plus, donde cada borde de acero o tinta china, deviene enredadera afirmándose sobre la nada.
ver entrada anterior en este Blog, texto Avanzar cortando