29/8/10

MINUJÍN, MARTA- El arte como Leyenda

Partenón de libros, 1983, Avda 9 de julio y Avda. Sta. Fe



Carlos Gardel, 1981, IV Bienal de Medellín, Colombia.




La torre de James Joyce de pan, 1980





Obelisco de Pan Dulce, 1979

Marta Minujín (Buenos Aires, 1941)

Egresada de las escuelas nacionales de Bellas artes “Prilidiano Pueyrredón” y “Ernesto de la Cárcova”, pronto se destacó dentro del renovador movimiento artístico de los ’60.
En 1960 viajó a París x medio de 1 beca del FNA. Esa época comenzó a trabajar con colchones, 1º como parte de la composición y luego como estructuras habitables.
En 1965, junto a Rubén Santantonín (1919-19699, creó La Menesunda, una ambientación multisensorial de arte participativo.

EL ARTE COMO LEYENDA

1978-Comienza sus monumentales obras consumibles, que se inauguran con El Obelisco de Pan Dulce (1978), continúan con La Torre de James Joyce en Pan (1980) – realizada en Irlanda – y se prolongan en una progresión de figuras simbólicas recubiertas con diferentes alimentos. Paralelamente Minujín desarrolla una serie de “deconstrucciones de mitos” en obras como El Nido de Hornero Gigante (1976) – una parte de Comunicando con tierra- E Obelisco Acostado (1978), presentada en la ciudad de San Pablo, el mencionado Obelisco de Pan Dulce y Carlos Gardel de Fuego (1981), realizada para la Bienal de Medellín.
Estas obras que conjugan la historia, sus símbolos y uno de los principales baluartes de la sociedad contemporánea – el consumo -, desembocan en un grandioso Partenón de libros (1983), una réplica del Partenón de Atenas recubierta con libros prohibidos durante la dictadura militar, realizada en homenaje a la cultura y a la democracia.

Obelisco de Pan Dulce, 1979
“Hay muchos monumentos en el mundo que son obeliscos; pero quería construir la leyenda de uno que fue consumido por la gente. Lo imaginé de pan dulce ya que es una cosa festiva. Entonces fue un obelisco de pan dulce qued después vino a grúa lo acostó y la gente se llevó los panes … eran 30.000.Fue para fin de año en Navidad”.

La torre de James Joyce de pan, 1980. De la serie de “Los mitos populares”. Bienal ROSC ’80, Dublín, Irlanda.
“La torre reproduce un mito popular de la ciudad: la torre actual museo James Joyce, donde fue escrito el Ulises. El pan lactal es porque en un cuento, Joyce habla de una panadería, Downes. Yo encontré que esa panadería todavía existía y le propuse al dueño mi proyecto. Me donó el pan, hice la torre, después una grúa la acostó y la gente se llevó y comió el pan”.

En el arte de participación, arte para todos, Minujín involucra a las personas desde distintas perspectivas. Por un lado como habitantes de la ciudad que verán sus propios mitos puestos en escena y, por otra, por la participación real ya sea en la preparación del evento como en su consumación/consumición.

Remitificaciones de Carlos Gardel, 1981, IV Bienal de Medellín, Colombia.
“En Medellín hay un barrio gardeliano. Mi Gardel de fuego tenía 17 mts. De alto. Una de las manos se tomaba del chaleco. Era todo de hierro recubierto de algodón, porque Colombia es productora. Diez mil personas cantaban el tango Volver. En la inauguración se le prendió fuego para rememorar la forma en que Gardel murió en el accidente aéreo. Desmitifiqué el mito porque lo quemé. Pero, a la vez, lo remitifiqué al hacerlo de fuego”.

Partenón de libros, 1983, Avda 9 de julio y Avda. Sta. Fe
“Terminando la dictadura militar muchos libros habían sido escondidos en los sótanos de las editoriales. A mí seme ocurrió festejar la democracia con un Partenón de los libros prohibidos. En ese momento, para la asunción de Alfonsín venían invitados presidentes, intelectuales de todas partes del mundo. El Partenón es un símbolo de Grecia donde nació la democracia. Conseguí auspicios, para hacerlo porque la gente estaba entusiasmada, alborozada por el retorno a la democracia. La Secretaría de Cultura-en ese momento estaba Pacho O’Donnell autorizó el proyecto y me ayudó con los carteles de publicidad en vía pública. Tardé 17 días en construirlo. Era de las mismas dimensiones que el Partenón real. De los 30.00 libros prohibidos que contenía, 9.000 se donaron a bibliotecas municipales y el resto se los llevó la gente”.

“¿Por qué hago arte efímero? Para que quede como leyenda. El Partenón de libros queda en la leyenda. En el mundo de la información, no necesariamente hay que ir a Grecia para verlo. El de Buenos Aire existe y más si se consolida la leyenda… Hubo muchos Gardel, pero ninguno de fuego. Hubo muchos obeliscos… pero de pan dulce solo uno…”.

column arte raro, Programa Obra en Deconstrucción, sábado 14-08-10


25/7/10

Feliciano Centurión















Obras presentadas en “Vínculos y retazos de magia”
Una antología de Feliciano Centurión,
En diálogo con Liliana Maresca, Omar Schiliro y Fernanda Laguna.
Curadoría: Claudio Iglesias; dentro de la Feria arteBA’10.

La elaboración manual es el camino que recorre la obra de Feliciano Centurión, entendida como tránsito hacia lo onírico, incorporación de las mercancías del entorno e introducción de lo autobiográfico y ritual.
Visiones espirituales dejan entrever un largo camino de autoconocimiento y modelación de la propia sensibilidad; en esta instancia la obra de Centurión se convirtió en el elemento catalizador para que otros artistas se descubrieran a sí mismos; dentro del movimiento artístico que acobijó el Centro Cultural Rojas a comienzos de los noventa.
El curador argentino Jorge Gumier Maier señala acerca de su desarrollo artístico: “Desde todo punto de vista formal y temático, el momento fundacional de la obra de Centurión es el cambio del soporte tradicional – la tela- por las frazadas.
1º etapa: animales solos o seriados, domésticos o extraños (ej. pulpos), eran x lo gral. frazadas de 2 plazas.
2º etapa: imágenes de flores o estrellas o estrellas/flores; aparecen carpetas de ñanduti o macramé; en tela de frazadas, cortadas en formatos + pequeños, + íntimos.
3º etapa: bordado de frases sobre pañuelos, almohadas, pedazos de sábanas.

La recuperación de lo artesanal se alejó de los tópicos críticos desde los que fue leída, en su momento, como un repliegue romántico con respecto al neoconceptualismo internacional.

La magia, la astrología y las filosofías orientales, que devienen en un esoterismo suave, + ligado hacia la expansión de lo emocional que a la reproducción de un cuerpo orgánico de doctrinas.
La Flor-Sol
En las pinturas de 1991-1992 aparecen pulpos, yaguaretés y surubíes, personajes que parecen simbolizar estados de ánimo y actitudes.
Este animismo atraviesa su obra, pasando x el ojo de Horus hasta llegar a las frases punzantes de antes de su muerte por SIDA.
La pintura da paso a técnicas como el crochet y la trama ñandutí, procedentes de las fuertes tradiciones de bordado femenino de Paraguay.
A serie de las Estrellas (1993-1994) se compone de flores de pétalos alargados, estrellas de mar y representaciones del sol. Elementos que convergen en esta Flor-Sol, con marcas regionales y sexuales.
La flora y fauna del Paraguay, el esoterismo en sus distintas formas y la reivindicación de técnicas artesanales forman una constelación donde los problemas derivados de la globalización pudieron encontrar una respuesta autóctona.
Hablar de magia y de ritualidad, en este sentido, es hablar de política y de identidad cultural en un sentido + amplio.
Comentario basado en el catálogo de Claudio iglesias y en palabras de Gumier Maier, registradas en la Wikipedia.
sáb 24/07/10-columna arte raro,Prog.Obra en deconstrucción- FM 103.3 radio Univ.


11/7/10

                     
CITAS, entre Nicola CONSTANTINO, Francis BACON y REMBRANDT.


                fotografía de Nicola Constantino, expuesta en ArteBA, 2010.

 

“Pintura” de Francis Bacon(Dublin, 28-10-1909- Madrid, 28-04-92).

En “Pintura” de 1946, Bacon quería “hacer un pájaro posándose en un campo”, pero los rasgos trazados han tomado de súbito una especie de independencia, y sugerido “algo por completo diferente”, el hombre en el paraguas…”
Bacon, explicita no pasar de una forma a otra. En efecto, el pájaro existe sobre todo en la intención del pintor, y deja sitio al conjunto del cuadro realmente ejecutado, o, si se prefiere, a la serie paraguas – hombre debajo suyo – pieza de carne encima.

La ley del diagrama

Según Bacon se desarrolla, de la siguiente manera:
El diagrama por lo demás no está a nivel del paraguas, sino en la zona enturbiada, más abajo, un poco a la izquierda, y comunica con el conjunto a través de la playa negra: es él, foco del cuadro, punto de visión acercada, del que sale toda la serie de accidentes “subiéndose los unos sobre la cabeza de los otros”. La analogía estética es la serie o conjunto figural: los brazos de la pieza de carne que se alzan análogos alas a las, las rajas del paraguas que caen o se cierran, la boca del hombre como un pico dentado. El pájaro es sustituido, no por otra forma, sino por relaciones totalmente diferentes, que engendran el conjunto de una Figura como el análogo estético del pájaro.

Dinamismo y quietud

El hombre está atrapado en un espacio circular en tres planos: el redondel del piso, la baranda alrededor y el paragüas sobre la cabeza.
La figura permanece aprisionada bajo el paragüas, mientras que la res a sus espaldas, se extiende y parece apoderarse del movimiento del pájaro, que había sido el gesto inicial del artista al comenzar el cuadro.

El cuerpo y la pieza de carne (El devenir animal)
¡Piedad para la pieza de carne! No hay duda, la pieza de carne es el objeto más alto de la piedad de Bacon, su único objeto de piedad…La pieza de carne no es una carne muerta, ha conservado todos los sufrimientos y cargado con todos los colores de la carne viva. Tanto dolor convulsivo y tanta vulnerabilidad, pero también invención encantadora, color y acrobacia. Bacon no dice “piedad para las bestias”, sino más bien todo hombre que sufre es pieza de carne. La pieza de carne es la zona común del hombre y la bestia, su zona de indiscernibilidad, ella es ese “hecho”, ese mismo estado donde el pintor se identifica con los objetos de su horror o de su compasión. (de Gilles Deleuze en Francis Bacon. Lógica de la sensación)

John Deakin, artículo sobre Francis Bacon en Vogue, julio de 1962.

Su pintura se desarrolló a través de una relación con la fotografía tanto conceptual como visual, informado pos la historia de la pintura, interpretado a través de la ideología romántica y traducido a la pintura. Comentario de Victoria Walsh en el cap.”La verdadera imaginación es la imaginación técnica” del catálogo Francis Bacon- Museo Nac. del Prado, Madrid, 2009.



Rembrandt Hamenszoon van Rijn ( Leiden,1606-Amsterdam,1669)

El buey desollado, 1655 - lienzo 94 x 69 cm
Entre los géneros naturaleza muerta y retrato, por la figura en segundo plano.
La figura de la res aparece inmersa en una luz dorada que enciende los colores con tonalidades cálidas. Puesta en escena intimista. El fondo se confunde con la pastosidad del tono.


Bibliografía:

Gilles Deleuze          Francis Bacon. Lógica de la sensación

                              Arena Libros, 2002,2005.

 
Francis BACON         catálogo a cargo de Matthew Gale y Chris   

                              Stephens-Madrid, Museo Nacional del Prado, 2009.


informe realizado para la columna Arte raro del Programa Obra en Deconstrucción de radio Universidad de Rosario, Argentina.FM 103.3.

5/7/10

Mario Caporali
GUO CHENG CRATER
dentro del Premio ArteBA- Petrobras de Artes Visuales 2010


Román Vitali
obra"Los cazados"
2 cabezas embalsamadas y lastimadas quedan fijas por siempre.
la muerte no se repara, pero parece que la vemos solo en la presencia de la sangre.

Román Vitali, "En casa hay fantasmas", 2009
tejido de cuentas acrílicas facetadas encastrables, mesa y florero.

donde lo muerto se vuelve a morir
las flores cortadas quedan sin agua al caer el florero.
Maximiliano Rossini
serie Dibujo para no extrañar- 2009
tinta rotring s/hoja de cuaderno , 29 x 21 cm.

TRULALA - Dueto Claudia del Río y Carlos Herrera
s/título- 2008-2009
cristal soplado (San Carlos), pintado a mano al óleo, mesa de madera y objetos naturales

imágenes de obras de artistas que expusieron dentro de Cultura Pasajera

Alejandra Tavolini
"Karakish"
muñecos y tabla de madera

Leonardo Battistelli
"Piel azul", 2010
cerámica pintada a mano

Fabiana Imola
obra expuesta en la muestra Sombra de Toro, 2009
corte láser sobre acero y pintura epoxi horneada.

imágenes de obras de artistas que expusieron dentro de la galeríadelinfinito, además de éstos, también presentes, Ma. Luján Castellani y Laura Glusman con obra fotografías.

arteBA'10 - Presencia rosarina
Jorge de la Vega (Bs.As.,27-03-30-26-08-71)
El futbolista, 1969
acrílico s/tela, 198,5 x 109, 5 cm.
obra que ubicamos dentro del POP - artista que jugó con la formación y la deformación del ser humano.
recomendación: ver Rompecabezas, 1968-1970, 17 paneles para armar(en un principio 22).

Martha Boto (1925-2004)
Mouvements Chromocinetiques, 1971
acero motores en base de madera, 250 x 100 x 100 cm.


Pablo Suárez (Bs.As. 1937-2006)
(en búsqueda del título, que no me fuera otorgado en el stam)
realizada con materiales industriales , resina epoxi
"las esculturas son sostenidas por una estructura narrativa"Pablo Suárez.
realismo atravesado por humor.


Nicola Constantino (Rosario, 1964)
junto a la exposición de fotografía Nicola expuso un TRAILER, donde crea su doble con la cual convive y en un momento se molesta.
http://www.lapeliculadenicola.com.ar/mensajes/mensaje_nuevo.php?m=1

expone del 20 de mayo al 8 de julio en la Torre YPF-Bs.As.


Leonel Luna(Bs.As., 20-08-65)
El animal oculto, 2008
técnica mixta 70x 60 x 150 cm.


Mariana Sissia (Ramallo, 1980)
lápiz generando geografías,
con relación a una serie llamada "Sistema de defensa de mi misma".
Dibujo realizado en el espacio Taller de la Revista Ñ, dentro de la Feria


arteBA'10 - Selección de imágenes de obras

19 Feria de Arte Contemporáneo
25 al 29 de junio
La Rural, Pabellones Azul y Verde
Buenos Aires, Argentina.

18/6/10

OITICICA- Parangolés

Nildo da Mangueira viste Parangolé P15, Capa 11 "Icorporo a Revolta", 1967

Parangolé Capa 17,"Guevaluta" para José Celso,1966

Gerónimo da Mangueira, Antônio Manuel,Robertinho e Hélio Oiticica visten
Parangolés en Flamengo, Río de janeiro, 1965
Miro da mangueira viste Parangolé P4 Capa 1, 1964.
Proyecto parangolé, "Experimento momia, automomificación", 1967


Lilico da Mangueira viste Bólide Poema "Seu pelo meu:preparaçao para o carnaval", 1980


PARANGOLÉS de Hélio OITICICA


Todo comenzó con la formulación del PARANGOLÉ en 1964, con toda mi experiencia con el samba, con el descubrimiento de los morros, de la arquitectura orgánica de las favelas cariocas (y consecuentemente otras como las palafitas del Amazonas) y principalmente de las construcciones espontáneas, anónimas, en los grandes centros urbanos el arte de las calles, de las cosas inacabadas, los terrenos baldíos, etc.

ADENTRO / AFUERA

Helio Oiticica evolucionó de la superficie plana a la disolución del soporte tradicional en el propio cuerpo, influenciado por Piet Mondrian y Kasimir Malevich, Oiticica pasó del plano pictórico, a planos de 2 lados suspendidos del techo.

En 1965, llegó la CAPA PARANGOLÉ, una estructura de color vestida directamente sobre el cuerpo. Las relaciones entre los colores no serían más apenas contempladas pasivamente con los ojos pues, el color fue descubierto como una experiencia plus-sensorial, una experiencia “cinético-estética”. El color está presente en diferentes materiales táctiles, en telas y, con frecuencia, combinado con palabras poéticas.
Las Capas parangolé de Hélio, en su condición de declaraciones móviles/danzantes, poéticas o sociales funcionando como un tipo de placa hombre-sandwich, encuentran un paralelo en las estructuras móviles soviéticas de propaganda temporaria que incorporaban alto-parlantes, como las Klucis (1922).

Es importantes distinguir éstas búsquedas del BODY ART en la concepción de Hélio Oiticica y de Lygia Clark el cuerpo no podía ser visto como un “soporte”- preservando y ampliando, en otras palabras, la terminología del plano, de la superficie y del rectángulo. De acuerdo con Hélio, el parangolé “no es una cuestión del cuerpo como soporte de la obra. Al contrario, es una incorporación total. Es una incorporación del cuerpo a la obra y de la obra al cuerpo”.

LOS TRAPOS DE MENDIGO/ LAS TÚNICAS DEL REY

Algunas capas son muy simples, 1 es la llamada “Capa da liberdade”, casi 1 título portátil, 1 leyenda vestida.
Otros textos incorporados a las capas
“Estou possuído”
“Da adversidade vivemos…”
“Da tua pele/ brota a umidade da terra/ o gosto, o calor.”
“Incorpora a revolta” (1967), fue hecha en colaboración con Nildo sambista da Mangueira.

Waly Salomao, ecribió que la relación entre el espectador y la persona que viste el Parangolé no es frontal sino “oblicua y clandestina”
Los Parangolé se hacían con materiales reciclados procedentes de la basura, sobras de paño y tejidos baratos, con los cuales Hélio producía un esplendor sensual.

Fue en el CARNAVAL donde Oiticica descubrió la relación entre expresión colectiva e individua ignorando niveles abstractos y estratos sociales.
Este artista cuenta que se comenzó a sentir fuera de esquemas sociales, y encontrándose él mismo en una falta total de lugar social y al mismo tiempo descubrió su “lugar individual”.

LA BOLSA AMINIÓTICA / LA MORTAJA

En los Parangolé aparecen de forma misteriosa Nascimiento y Muerte.
La Capa es a la vez, la bolsa amniótica que contiene el cuerpo hasta su nascimiento y la mortaja que lo envuelve después de la muerte.
En 1967, realizó el proyecto Parangolé llamado Automomificación, donde las personas se envolvían en pedazos de paños de coloridos se acostaban en una cama y luego giraban en un piso cubierto de bolas de plástico y de goma, y de frutas artificiales.

En los PARANGOLÉS encontramos una Polarización entre LIBERTAD
y TRAMPA
un Parangolé es una membrana entre el cuerpo
y el sentido de la visión

que se construye una dialéctica de experiencias entre lo revelado
y lo velado

Recomendaciones ver
http://www.itaucultural.org.br/
programa helio oiticica


H.O. de Ivan Cardoso Parte 1
www.youtube.com
H.O. Experimental de Ivan Cardoso 1979 13 min Com Caetano Veloso, Carlinhos do Pandeiro, Ferreira Gullar, Helio Oiticica, Lygia Clark

H.O. de Ivan Cardoso Parte 2
www.youtube.com
H.O. Experimental de Ivan Cardoso 1979 13 min Com Caetano Veloso, Carlinhos do Pandeiro, Ferreira Gullar, Helio Oiticica, Lygia Clark, Nildo da Mangueira, Nininha, Waly Salomão

bibliografía

Introducción basada en palabras de Hélio Oiticica, capítulo : Tropicália del catálogo hélio oiticica penetráveis exposición realizada en el centro municipal de Arte Hélio Oiticica, Río de Janeiro-21 de dezembreo 2008 a 20 de junho de 2009.
Análisis sobre los Parangolés, basado en el capítulo: Feito no corpo: o Parangolé de Hélio Oiticica, del libro de Guy Brett:
Brasil Experimental: arte/vida: proposiçoes e paradoxos, Edit. Contra Capa, Río de Janeiro,2005.

16/6/10

BRIZUELA, Aníbal- expos





fotos de dibujos presentados en la galeríadelinfinito, dic./2009.


Anibal Brizuela fue el artista invitado por Fabiana Imola para presentar una serie de dibujos sobre papel en el espacio de la galeríadelinfinito, cuando ella presentara la muestra Sombra de Toro, en diciembre del 2010.
Brizuela construye su obra como un oráculo, elaborando mensajes para distintas personas, desde hace años es un paciente de la Colonia Psiquiátrica de Oliveros, un paciente no externable que habita en el hospital como en su casa. Realiza su producción con materiales descartables como patrones: tapas de frascos, palitos trabalenguas, y otros. Los diseños tienen una marcada simetría y distintas secuencias de elementos en una compleja composición. Aparecen señales, símbolos, cruces, armas, textos tales como FBI o Malvinas, en relación directa con su psicosis.
Imola lo descubrió hace muchos años por su numerosa producción, a la fecha ha participado de varias muestras y es su intención continuar exponiendo sus trabajos.




fotos de la participación de Brizuela en la muestra colectiva "La novela del dibujo" del Club del Dibujo, del 6 al 29 de noviembre de 2009 en el Centro Cultural Parque de España.

6/6/10

IMOLA, Fabiana-Sombra de toro












Muestra Sombra de Toro de Fabiana IMOLA en la galería delinfinitoarte, dic./2010, Bs.As. Arg.

Entramos a la galería, y en el centro se destacan una gran cantidad de ramas naturales, un volumen importante de 2 x 2 x 1,50 mts aprox., y en las 3 paredes laterales, 3 grandes obras de distinto recorrido de imágenes y técnico.

Hacia la izq. cubriendo la 1º pared, vemos 3 grandes figuras como islas recortadas en acero, con bordes q parecen fiordos, 2 dispuestas abajo horizontales y 1 mayor en diagonal. Esta última, como un vector marca una fuerza ascendente y casi se desplaza; formándose una geografía en movimiento. Y mientras estas tierras parecen alejarse, una serie de pequeñas diminutas formas, que podrían ser pájaros, sobrevuelan todo.
instalación de 20 piezas en acero inoxidable, corte láser.

Hacia la derecha 9 vidrios con unos dibujos de islas donde vemos algo así como un delta. La tierra en gris y los flujos de agua sin color, permiten mediante las transparencias que la obra se integre a la arquitectura.
Vidrio termotemplado con ploteo de corte de vinilo.

Avanzamos, y frente a nosotros, 3 tiras de papel verticales, ocupan la tercera pared que rodea las ramas. Aquí dibujos en tinta china de plantas, flores, ramas, hojas, líneas fuertes y líneas mínimas, sobre un soporte de papel claro y delicado, parecen quedar suspendidos en el aire. Sus formas nos dicen que se mueven con el sol, con un fototropismo que traspasa todo.
Una gran estampa a una gran escala, nos amplifica la Naturaleza, toma el espacio y parece no quedarse quieta.
Dibujo papel film poliéster tinta china aguada.

Y ahora, en 1 espacio aparte, un patio vidriado, 1 pedazo de un árbol llamado Sombra de Toro, con una base, un pie de una escultura, presentando la Naturaleza en el lugar del arte, un enroque de talla manual por talla natural, y la presencia del artista q hizo el recorte de su visón de todo y lo trajo hasta aquí.

En una pared más interna, una obra en acero que parece ser una enredadera.
En la parte superior las líneas dominan el espacio y en la parte inferior se separan de tal modo que arman una secuencia donde prevalecen los espacios en blanco. Una relación regulada entre el dibujo y el espacio.
Esta obra consolida su existencia en la suma de cruces de las ramas, e intenta apropiarse de los espacios vacíos, avanzando sobre los espacios agujereados.
Acero inoxidable, corte láser.






ENMARAÑADO

Cada punto importante en la escultura o los dibujos es un punto de reconstrucción de nuestra mirada, la trama enmarañada no puede menos que proliferar apoyándose en los referentes de nuestra memoria.
Pto. x pto. la vegetación salvaje de extiende más allá de la imagen representada.
Los fragmentos siempre se están expandiendo.
IMOLA plantea muy bien los cortes como lugares de entrada de nuestra visión a la obra. Desde una fuerte intuición orgánica y mediante, un gran despliegue de un proceso intelectual.
En cada uno de sus extremos la obra se precipita al vacío, tiene su fin matérico, pero entonces el espectador puede permitirse una visión plus, donde cada borde de acero o tinta china, deviene enredadera afirmándose sobre la nada.
ver entrada anterior en este Blog, texto Avanzar cortando